Librarian's Choice Archiv 2024

Bruckner reloaded!
Zwei neue, unkonventionelle Auseinandersetzungen mit Anton Bruckner

Nicht viele Komponisten des 19. Jahrhunderts waren so umstritten wie Anton Bruckner. Für die einen war er der bedeutendste Symphoniker seit Beethoven, für die anderen ein anarchistischer Zerstörer der Tradition. In schrillen Tönen, schrägen Metaphern und grotesken Bildern wurde sowohl von seinen Gegnern wie auch von seinen Jüngern über seine Musik gesprochen und gestritten.
Florian Neuner, mit Bruckners Musik seit seiner Kindheit vertraut, beschäftigt sich in seinem Buch mit diesem "Sprechen über Bruckner". Mit den Mitteln der Montage inszeniert er die Reibung, die entsteht, wenn Sprache auf diese Musik trifft und an ihr zerschellt. (Florian Neuner, Brucknermaterial, Klever Verlag 2024).
Als "Umschriften" bezeichnet der Autor und Sprachkünstler Christian Steinbacher seine formbestimmten Aneignungen fremder Texte, aber auch musikalischer Vorlagen. Zu letzteren lagen bislang etwa Umschriften der Bartók‘schen Duos für zwei Violinen (in Winkschaden, abgesetzt, 2011) vor, aber auch zu Improvisationen des Flötisten Norbert Trawöger (Luftikusse, 2014). Passend zum Bruckner-Jahr hat er sich nun die Trios der Scherzi aus den Symphonien "angeeignet". Die "Umschriften" gehen nicht von Noten aus, sondern basieren auf einem mehrfachen Horchen der Musik. Das führt zu parallel dazu entwickelten Sprachbewegungen, die auch die semantische Komponente mit hervorrufen. (Christian Steinbacher, Tanz der Rollvenen, Zeuys-Verlag 2024).

Die Bücher werden am 4.12.2024, 18.30 Uhr, im Freihandbereich Bücher der ub.mdw von den Autoren präsentiert. Moderation: Ralph Klever

Lena Dražić: Die Politik des Kritischen Komponierens. Diskursive Verflechtungen um Helmut Lachenmann

Neue Musik konfrontiert uns mit ungewohnten Klängen und zwingt uns so, unser Verhältnis zur Welt zu hinterfragen. Sie rüttelt auf und ist somit immer auch politisch, so die gängige These. Am Beispiel von Helmut Lachenmann, einem der prominentesten Komponisten der Gegenwart, macht Lena Dražić Texte über Neue Musik zur Grundlage einer Diskursanalyse, die deren politischen Versprechungen auf den Grund geht. Daran zeigt sie, dass insbesondere in der Strömung des „Kritischen Komponierens“ Werte wie Demokratie, Niederschwelligkeit oder Herrschaftskritik beschworen werden, der Zugang zum Neue-Musik-Betrieb hingegen maßgeblich von Bildungs- und Klassenprivilegien abhängt.

Das Buch wird am 25. 11. um 18 Uhr im Bruno-Walter-Lesesaal der ub.mdw präsentiert.

 

Obsessiv, repetitiv und visionär: Fausto Romitelli

Mit diesen Worten charakterisierte Fausto Romitelli zeitlebens selbst sein Werk. Seine oftmals rauschhaften, dystopischen Klangphantasien ließen den 1963 in Görz geborenen italienischen Komponisten schnell zu einem Shooting-Star der Gegenwartsmusik werden. Romitelli studierte Komposition am Conservatorio Giuseppe Verdi in Mailand und besuchte anschließend Kurse an der Accademia Chigiana di Siena bei Franco Donatoni und der Scuola Civica di Milano. 1991 ging er nach Paris, wo er Schüler von Hugues Dufourt und Gérard Grisey war und Studien am IRCAM betrieb, wo er von 1993 bis 1995 compositeur en recherche war.
Mit seinen Kompositionen gewann Romitelli zahlreiche europäische Wettbewerbe und wurde zu bedeutenden Festivals wie dem Festival d’Automne, Ultima Helsinki, dem Steirischen Herbst (Graz) und den Darmstädter Ferienkursen eingeladen. Umso geschockter und verstörter war die Musikwelt, als er 2004 in Mailand mit nur 41 Jahren einer Krebserkrankung erlag. Was bleibt, ist ein singuläres Schaffen, in dem unaufhörlich neue Ausdrucksweisen erforscht wurden: höchst expressiv und genreübergreifend, samt Elementen aus Rock und Punk. Es ging Romitelli um Bewusstseinszustände, die er musikalisch zu ergründen trachtete und kühn erweiterte. Seine Musik wandelt vielfach buchstäblich am Abgrund. Und das geschieht auf höchst virtuose Weise, fernab von jeglichem künstlerischen Dogma. Wahrscheinlich ist und bleibt sie genau deswegen von zeitloser Aktualität.
Finden Sie hier Werke von Romitelli im Bestand der Bibliothek!

 

Dieter Torkewitz: Analysen ausgewählter Werke von Komponisten des 19. Jahrhunderts

Die Texte in diesem Buch sind eine Zusammenstellung und Überarbeitung von Studien des Autors seit den 1970er Jahren bis heute. Die bislang in unterschiedlichen Periodika sowie Kongressberichten erschienenen Beiträge boten sich zu einem Wiederabdruck im Rahmen der Wiener Veröffentlichungen zur Theorie und Interpretation der Musik geradezu an: deren Grundintention der „Grenzüberschreitungen der Einzelressorts der Trias Kunst, Theorie und Wissenschaft“ – so in der Einleitung des reiheneröffnenden ersten Bandes – entsprechen die multiplen Forschungsansätze von Dieter Torkewitz.

Dass bei Studien zur Musik des 19. Jahrhunderts ein Schwerpunkt auf Franz Liszt liegt, ist in Torkewitz’ lebenslanger Auseinandersetzung mit diesem Komponisten begründet.

Dieter Torkewitz lehrte an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien von 2001–2009 das Hauptfach Musiktheorie, zunächst als Gastprofessor, 2003 wurde er Lehrstuhlinhaber. In dieser Zeit initiierte er an der mdw eine Reihe von Veranstaltungen. So fokussierte die von ihm gegründete Vortragsreihe „Wiener Theoriegespräche“ die Beziehung zwischen Musik und Disziplinen unterschiedlichster Art wie beispielsweise Interpretationsforschung mittels KI, Philosophie, Architektur, bildende Kunst, Friedensforschung, Medizin. Weiters plante und führte Torkewitz gemeinsam mit Univ.-Prof. i.R. Ingomar Rainer drei internationale Kongresse durch, die eine enge Verknüpfung zwischen Musiktheorie, -wissenschaft und Interpretation intendierten. Torkewitz und Rainer riefen auch die Buchreihe Wiener Veröffentlichungen zur Theorie und Interpretation der Musik ins Leben, als deren fünfter Band die aktuelle Publikation erscheint.

Das Buch wird am 25.6. um 18 Uhr an der ub.mdw im Bruno-Walter-Lesesaal präsentiert. Em.o.Univ.-Prof. Wolfgang Watzinger wird im Rahmen der Buchpräsentation Werke von Franz Liszt, Frédéric Chopin und Johannes Brahms spielen.
 

 

Der Abwesende - Giacomo Meyerbeer zum 160. Todestag

Obwohl Giacomo Meyerbeer (1791−1864) zu den bedeutendsten Persönlichkeiten im europäischen Musikleben des 19. Jahrhunderts gezählt werden kann, spiegelt seine weitestgehende Abwesenheit im heutigen Bühnenrepertoire wie auch im schulischen und akademischen Musikunterricht nicht zuletzt den nachhaltigen Einfluss national(istisch)er sowie judenfeindlicher Rezeptionsweisen in und auf die Musikgeschichte wider: „Mit der Unterscheidung zwischen den Nationalstilen des 18. Jahrhunderts und der im 19. Jahrhundert auftretenden Verknüpfung von Nationalität und Originalität“, so Annkatrin Dahm, „wurde Meyerbeer zu einem Opfer einer den gesamten Bereich der Musik umfassenden ästhetischen Debatte“. Verstärkt wurde dies durch Meyerbeers religiöse Herkunft, insofern – wie Sieghart Döhring es auf den Punkt bringt − der „jüdische Kosmopolit, dessen Werk sich dem nationalkünstlerischen Kategoriensystem verschloss, […] zur historischen Unperson“ wurde.

Dabei galt Meyerbeer im 19. Jahrhundert als einer der einflussreichsten und begehrtesten Opernkomponist*innen der Zeit. Parallel zu seiner Stellung als Generalmusikdirektor der Berliner Hofoper sowie Leiter der Preußischen Hofmusik prägte der Kosmopolit das Repertoire der Pariser Opéra – sowie jenes zahlreicher anderer Häuser innerhalb und außerhalb Europas. So konstatierte der renommierte Wiener Musikkritiker Eduard Hanslick anlässlich des Meyerbeer-Zentenariums im Jahre 1891: „Meyerbeers Opern […] sitzen fest in dem Repertoire aller Theater und herrschen da seit ihren ersten Aufführungen ununterbrochen. […] Eine Popularität wie diese ist ohne Beispiel.“ Und bevor Richard Wagner Meyerbeer in Das Judenthum in der Musik (1850, erw. 1869) diffamieren würde, reihte er seinen Landsmann – welcher sich „die Vorzüge der italienischen u. französischen Schule zum Meister“ gemacht, die „Schranken der Nationalvorurtheile“ zerschlagen und damit „Weltgeschichte“, sogar „Thaten der Musik“ geschrieben hätte – als genuin „​​​​​​​deutschen“ Komponisten in die Tradition Händels, Glucks und Mozarts ein und beteuerte, selbst durch Meyerbeer „auf meine jetzige Bahn gebracht“ worden zu sein.

​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​​Trotz zahlreicher persönlicher Rückschläge sowie gesellschaftlicher und kultureller Umbrüche liest sich Meyerbeers Biographie durchaus als Erfolgsgeschichte: 1791 als Sohn einer wohlhabenden, kunstaffinen Kaufmannsfamilie in der Nähe von Berlin geboren, genoss Meyerbeer eine humanistische Erziehung. Musikalisch ausgebildet wurde er durch zeitgenössische Koryphäen wie Franz Lauska, Carl Friedrich Zelter und B. A. Weber in Berlin sowie Abbé Vogler in Darmstadt, wo er bereits 1813 zum Hofkomponisten ernannt wurde. Eine Bildungsreise führte ihn nach Wien, Paris und London (1813−1816). Im darauffolgenden Jahrzehnt machte sich Meyerbeer als Komponist italienischer Opern – „eine erfolgreicher als die andere“ (Michael Jahn) – in Italien einen Namen, was ihm als Sprungbrett für Paris dienen sollte. Dort entwickelte er sich in den 1830er- und 1840er-Jahren mit Robert le Diable (1831), Les Huguenots (1836) und Le Prophète (1849) zum führenden Opernkomponisten seiner Zeit. 

​​​​​​​Meyerbeers letzte große Oper, Vasco da Gama, wurde aufgrund seines plötzlichen Todes während der Endproben durch François-Joseph Fétis vollendet und 1865 unter Anwesenheit der gesellschaftlichen Prominenz aus Politik und Kultur als L’Africaine uraufgeführt. 

Am 2. Mai 2024 jährt sich Meyerbeers Todestag zum 160. Mal. Dies soll als Anlass dienen, auf den Bibliotheksbestand zu jenem Komponisten aufmerksam zu machen, der nicht nur die Gattung der grand opéra maßgeblich geprägt hat, sondern sich bereits zu Lebzeiten aktiv für die Förderung des musikalischen Nachwuchses eingesetzt hat. 

(Text: Henriette Engelke)